主持：施令紅教授
講師：Wlasta Laura、Stepanka Stein、Vladimír Kiva Novotný
來賓：捷克中心臺北 蔣家立 主任秘書
地點：國立臺灣師範大學綜合大樓914教室
時間：2026年09月16日 15:30-17:30
主辦單位：國立臺灣師範大學設計學系

2026年9月16日下午，國立臺灣師範大學綜合大樓914教室舉辦「Photography in the Age of AI（AI時代的攝影）」EMI設計講座，由施令紅教授主持引言，邀請捷克攝影師Wlasta Laura、Stepanka Stein 與 Vladimír Kiva Novotný，分享他們在創作歷程與實務的經驗，本次活動捷克中心臺北主任秘書蔣家立也共同參與。內容從攝影創作出發，延伸至人工智慧、商業影像、跨領域合作、性別文化、數位時尚與當代影像產業的轉型等議題。

演講一開始，Stepanka Stein首先分享近期參與的國際策展與攝影實踐經驗，談及於PhotoSaintGermain攝影節期間舉行的「Joy and Refuge（喜悅與棲所）」展覽。該計畫與Teleport Gallery合作進行，並由Stein擔任藝術指導。她藉由展覽經驗說明攝影不只是單一影像的呈現，更可以透過策展、空間、藝術指導與跨領域合作，建立作品之間的敘事關係。這也為本次講座揭開序幕，帶出當代攝影如何跨越單純的拍攝行為，進一步連結策展、設計、文化交流與國際合作等不同面向。

Wlasta Laura為此次最年輕的攝影者，她在分享中談到，自己的創作經常關注文化、歷史、女性與性別角色等議題。她認為，性別並不應被侷限在固定的分類之中，個體所呈現出的力量、氣質與行動方式，都可能超越傳統對男性或女性的刻板印象，而這些細微且多元的特質，也成為她影像敘事的重要來源。除了性別議題之外，她亦關注不同文化之間的碰撞與交流，並將個人經驗、文化觀察與視覺語言結合，發展出具有自身特質的創作方式。談到人工智慧，Laura認為AI已逐漸成為商業創作中便宜快速不可忽視的工具，特別是在廣告、產品影像或商業視覺中，AI可以協助快速形成構想、測試不同視覺方向，並縮短部分重複性工作的時間。然而，她也強調，AI始終只是一項輔助工具，真正的創造力仍然來自創作者本身的想像力、文化經驗與審美判斷。對她而言，AI的價值並不在於取代創作者，而是讓創作者能夠從繁複的技術操作中釋放更多時間，回到影像的概念、情感、質感與細節本身。

Vladimír Kiva Novotný則從自身長期接受傳統攝影訓練與實體創作的經驗出發，提出另一種觀看AI與攝影的角度。他強調，與實體物件、材質、模型及空間直接接觸，仍然是創作過程中非常重要的一部分。相較於僅在電腦螢幕上觀看設計，實際接觸作品能帶來更加直接的觸覺與空間感受，也使創作者更能理解作品在現實中的形態與效果。這種實體經驗對他而言，不只是製作方式，更是作品產生生命力的重要來源。Novotný也以自身「Guardian（守護者）」系列為例，談到創作並不是單純追求最終成果，而是在拍攝、修改、思考與反覆調整的過程中，逐漸找到作品真正的方向。他認為，展覽只是創作歷程中的一個階段，真正重要的是從概念形成、製作，到最後真正完成作品的整個過程。當創作者能夠將作品握在手中，並清楚感受到「這是我所創造的」，其中所產生的成就感與真實性，是單純追求效率與產量所無法取代的。

三位講者以攝影進行視覺創作，實踐早已超越傳統攝影師的單一角色。當代攝影工作逐漸與平面設計、時尚、建築、廣告、影片製作及社群內容產生交集，攝影師所需要具備的能力也不再只是影像拍攝本身，而是如何整合不同媒介、理解文化脈絡，並與其他領域的專業者展開合作。這樣的轉變也反映出，在人工智慧快速發展的今日，創作者的角色正逐漸由單一技術執行者，轉向兼具觀察、敘事、整合與判斷能力的跨領域創作者。講座中也談到當代影像產業的轉型。隨著短影音與社群媒體快速發展，攝影師已不能只停留在靜態影像製作，而需要逐步理解影片、動態內容與不同平台的傳播形式。這使得攝影師的專業邊界更加模糊，也更加多元。從攝影、設計到影片與社群內容，當代創作者必須思考如何讓自己的概念在不同媒介之間轉換，而不是只專精單一工具。

在 Q&A 交流中討論熱烈，其焦點則落在 Digital Fashion（數位時尚）。傳統時尚與人體、布料、材質及實際穿著經驗密切相關，但隨著數位技術發展，服裝與造型可以完全存在於虛擬空間之中，而不必實際製作成實體物件。這也引發講者與現場學生進一步思考：當時尚不再需要被真正穿著或接觸時，它是否仍然具有原本的意義？這樣的問題其實也與 AI 影像生成相互呼應，當影像與設計都可以透過數位方式快速生成時，作品的價值究竟來自形式、實體、概念，還是創作者所賦予的文化與意義，成為未來值得持續討論的議題。

學生們進一步詢問講者如何形成自己的創作理念與視覺風格，以及家庭、朋友、教育與職涯經驗如何影響創作。講者分享，靈感並不一定來自完整而宏大的計畫，有時可能只是一個色彩、一束光線、一部電影、一幅畫，或是一個突然出現的直覺與自身長期的內化而來。平面設計、服裝設計、繪畫、電影與不同文化經驗，也經常在創作中彼此交織，而與其他設計師、朋友及不同領域工作者的合作溝通，更進一步擴展了作品的可能性。因此，個人風格並非刻意設定出來的固定形式，而是在長期觀看、實作、合作與選擇中逐漸累積形成。

施令紅教授於交流過程中除幫忙彼此的溝通外，也進一步引導學生思考，AI已經成為當代創意產業無法忽視的趨勢，因此未來真正重要的問題，或許不再只是「要不要使用AI」，而是當每個人都能使用相似的工具時，創作者如何建立自己的獨特性與設計創意的影響力。AI可以加快工作速度，也可以協助快速生成大量影像，但人的文化背景、生命經驗、專業訓練與審美判斷，仍然決定了創作者如何提出問題、選擇內容，以及如何賦予作品意義。此次「Photography in the Age of AI」講座從捷克創作者的實務經驗出發，讓攝影的討論不再侷限於技術或影像形式，而是進一步延伸至人工智慧、文化、性別、實體性與創作者角色的轉變。在AI能快速產生大量影像的時代，攝影所面對的挑戰或許不只是如何與機器競爭速度，而是如何在技術持續改變的同時，仍然清楚知道自己為何創作、希望傳達什麼，以及如何建立屬於自己的觀點與辨識度。